花鸟入画，何处寻诗意

来源：淘生活问答时间：2023-06-01 07:12

原标题：花鸟入画，何处寻诗意

中国画分三大类：人物、山水、花鸟。除人物画盛期在唐、五代，山水、花鸟的高峰期都出现在宋代。这与宋徽宗赵佶的参与推动有直接关系。

文艺一旦形成高峰期，就如同一股磁场，后浪推前浪，就像被磁场吸引着相向而行。宋画所形成的高峰成为中国绘画的标杆。之后，千年绝唱，再无大潮出现。所谓传承创新，传承的源头就是指宋画。当然晋唐五代也有很多不朽的花鸟画之作（比如徐熙），但与宋画相比，无论质或量都未形成气候。

宋画主要是指院体画。赵佶作为一国之君，其个人趣味直接影响了历史。他喜欢精微细致的工笔画，也擅画花鸟，因此工笔画成了院体的主流风格。

赵佶天分高，审美能力强，又贵为君主，所以他的画格局大。在他笔下，工笔仅仅是指作画手法，精微细致中透着浓浓的写意精神。哪怕画一只脸盆里扑腾洗澡的小八哥也尽显天趣：一只宫廷里养的鸟，洗澡弄湿了毛，一抖身子水珠四溅，蓬松的毛用干笔稍微皴擦一下，油然生动。他的工笔不是刻意把一根一根细毛画得清清楚楚，而是疏密有致，该有细毛的地方细得很，绒毛被风吹乱的动感则非常活。这种神气，这种灵动，虽工犹写。尽管赵昌、崔白、黄荃也画得不错，但是与宋徽宗比，就少了一点灵性，少了一点贵气，格局也小了点。

宋徽宗艺术感悟超群，他兼任画院院长，事无巨细样样都管。不但自己画，还时不时指导他人，王希孟在他的调教下，十八岁舞象之年就画出了流芳千古的《千里江山图》。

宋画虽以院体画为主，表现形式力求精细入微，但是一点也不僵硬死板，充满了生命活力，画面透着诗意的境界，这种以工寓写的手法只有宋画才能做到如此高度。从本质来说，写意精神包括了抽象意识与具象形式。无论工、写，文化核心都是追求写意精神。真正把意识和形式统一于一体的就是水墨画，现称之为“写意画”。中国最早出现的一个写意花鸟画画家，也在宋代，他叫牧溪。在牧溪之前，大家都画工笔花鸟画，写意花鸟画是牧溪开创的。一个宋徽宗、一个牧溪，就把中国花鸟画推向了高峰。尽管以后出了青藤、八大山人、石涛、金农、吴昌硕、齐白石、潘天寿等，但纵览天下，至少半壁江山是他俩开创的。

王国维在《人间词话》中曾谈及诗词和小说在创作上的不同，他认为写小说是社会阅历越深，越老练，写得越好。诗词是内心越天真单纯，越容易写得好。如此看来，牧溪和赵佶恰恰就是这样。

牧溪是水墨写意花鸟画的开山祖，宋徽宗是工笔花鸟画的极致者。之后再没有人能超过他们。

元代真正推动工笔花鸟画向写意转型的画家是王渊，他在双勾线的基础上以水墨皴擦、晕染、工写结合，形成了兼工带写的画法。

到了明清，青藤和八大山人，明显是承接了牧溪的文脉，开创了写意花鸟画的新纪元。八大山人的写意花鸟画，诠释“一花一世界，一叶一如来”，他笔下的鸟有一种愤怒、清高和孤傲。

在清代，恽南田创造的没骨花鸟画把宋画工笔和元画写意二者相参而得，任伯年的兼工带写花鸟画有很强的装饰味，二位圆通的世俗品格直接影响到画风品格：过于追求“极似真花，才能传神”反而降低了格调，削弱了传统审美的写意精神。

近现代人学写意花鸟画，上承青藤、八大山人，近学吴昌硕、齐白石比较多。如果说中国花鸟画的江山一半是赵佶和牧溪开创的，另一半则是青藤、八大山人、吴昌硕、齐白石四位撑起的。

吴昌硕强调诗、书、画、印俱佳的士大夫标准。他最得意的是，以作书之法作画。他用篆、隶、狂草笔意入画，色酣墨饱，雄健古拙。当他一味强调以书入画时，其缺点也显现出来了。他的画金石味太重，追求“重、拙、大”。由于用力过猛，笔墨粗拙缺乏圆润，减弱了人文境界的表达。

齐白石的画通俗易懂，他的题画诗一般也不用典，明白晓畅，风趣，诙谐，嬉笑怒骂皆文章，虽格局不大，还有点草率，但接地气。他年幼时接受乡村私塾先生教授的方式：不计雅俗但求贴切。他在《白石老人自述》中说：“我的诗，写我心里想说的话。本不求工，更无意学唐宋，骂我的人固然多，夸我的人也不少。从来毁誉是非，并时难下定论，等到百年以后，评好评坏，也许有个公道。”他的画没有士大夫的迂腐气，笔下的草虫栩栩如生更具生命力，瓜果蔬菜更是寻常题材。他属于最后一群传统绘画派的大师，客观地评价：他对当代写意花鸟画的影响力无人能比，是一位承古开今的大家。

时代变了，画的形式也在变。面对自然，我们的创作模式更多计较于形式和技法层面的变化，现在可以创作出具有视觉冲击力的作品，但较难进入“诗情画意”的深刻状态。现在是信息时代，诗意大多已被科技取代，自然环境被改造成了景观，花依然，鸟照旧，我们所面临的尴尬是：花鸟入画，何处寻诗意？

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